En el año de 2011 el instituto Orbitato me invitó a pasar dos días en la ciudad de Floriánopolis para asistir al Sur Fashion Week. Durante estos dos días, caminé los dos pisos que componían el recorrido propuesto por los organizadores de la feria, quienes planearon que los espectadores camináramos por los corredores para observar de lado a lado las marcas invitadas al pabellón Denim Prêt-à-Porter, pabellón que concluía con la exposición “Face Couture” del diseñador brasileño Felipe Campestrano.
“Face Coture” era una exposición de máscaras elaboradas con ropas femeninas y masculinas de uso diario como camisetas, camisas, pantalones, chaquetas, suéteres y vestidos, prendas que fueron customisadas por el diseñador brasileño Felipe Campestrano. “Face Coture” era un proyecto de diseño experimental el cual no pretendía crear objetos vestimentarios para una obra de teatro, sin embargo su para mí su resultado plástico podía ser interpretado como una propuesta de máscaras para una puesta en escena. Esa sensación de estar ante un personaje teatral en una propuesta de diseño la cual no tenía como objetivo crear un accesorio para una puesta en escena, me generó además de placer en términos de concepto y factura por ver esta propuesta plástica, muchas preguntas sobre las técnicas y los materiales que se utilizan para desarrollar máscaras escénicas.
Me cuestionaba: ¿Por qué la gran mayoría de máscaras que se utilizan en las puestas en escena repiten materiales y métodos de construcción?
¿Este tipo de máscaras que vemos en la mayoria de las puesta en escena reflejan una carencia técnica por parte de sus ejecutores, o es un signo momificado el cual solo se aborda desde la misma técnica?
¿Es la mascara escenica un objeto codificado en forma y significado y su resultado es la carencia de referentes por parte de los espectadores o por parte de los productores?
¿Por qué repetimos las mismas técnicas, sin pequeños diferenciales y cerramos la exploración a otras técnicas que abrirían los referentes en formas, volúmenes, texturas y materiales?
Estas preguntas que me formulaba durante la exposición difícilmente tendrían una respuesta inmediata, pero ellas me invitaban a reflexionar acerca de cómo las técnicas de construcción de objetos plásticos para la escena podían ser elaborados con otros y nuevos procesos, que comprometen el aprendizaje de nuevas prácticas constructivas como la de una costura creativa que proponga ensamblar partes para montar nuevas formas, un patronaje que utiliza el cuerpo como soporte para la construcción de estructuras vestibles con infinitas superficies que varían en texturas, formas y tamaños que descodifican y amplían nuestro repertorio creativo.
“Face Couture” nos invita a explorar nuevas técnicas que pueden permear el ámbito de la producción escénica. Vale la pena la pena accezar al link www.facecoutureproject.com y observar el registro que el autor hace de su proceso creativo que transcurre desde el año 2010 hasta el 2011. Este proyecto nos realiza una invitación para iniciar métodos de producción escénica que nos permitan explorar formas y materiales que abran nuevos referentes para crear y configurar otro visuales en la escena para todos aquellos que nos dedicamos a ella profesionalmente.
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